Sono fiera di dirvi che quest’estate ho vinto la Segnalazione di Merito per una mia vecchia poesia “Vaghezza” al concorso “Una poesia per Pamparato 2009”.

http://www.amicipoesia.altervista.org/html/poesie1.html 

 http://poesia.splinder.com/archive/2009-08 

Vaghezza

Un cielo stellato

Racchiude strani tramonti:

Una prateria

Di pensieri

Ed una lacrima

Di incertezza.

Una mano

Si posa leggera

Sul tuo viso

Che

È invisibile.

Il contatto

brucia

Sulla pelle

Come fuoco

Come cenere.

A volte

Non si trovano

Le parole adatte

Per descrivere ciò

Che si ascolta.

Il silenzio è

La prova più grande

Da superare.

Menzione di merito:

Premio Letterario Alberto Tallone Alpignano 2009 23/05/2009.

Voglio scrivere

Voglio scrivere di distese bianche e di foglie gialle.

Di steli ghiacciati e di ghirlande innevate.

Voglio scrivere di mari sconfinati e di grotte misteriose.

Di ranuncoli viola e di corone di gelsomini dai verdi rami profumati.

Voglio scrivere del torrido deserto e della tiepida boscaglia.

Di leprotti in fila e di stormi di uccelli in cielo.

Voglio scrivere di viaggi e di scoperte.

Di tesori antichi e di magie arcane.

Voglio scrivere le mille storie della terra.

Voglio scrivere di favole di eroi e di dei.

Eppure sono qui a vedere dalla finestra

il mondo cambiare senza di me.

Vivo con la fantasia e la poso su di un tavolo scuro

imbandito di libri invecchiati.

Lascio che una pagina voli via.

La penna in mano e lo sguardo su spazi infiniti.

Giulia Gino.

Avevo bisogno di un posto più raccolto, più intimo per scrivere.

Avevo bisogno di un posto non molto frequentato come il mio blog su Msn.

Avevo bisogno di un posto dove potevo adagiarmi per un po’ sui miei racconti, sulle mie poesie, sugli stralci di quelli che saranno i miei romanzi. Uno scritto, corretto e diciamo dato alle stampe. Uno iniziato, ma che giace come una crisalide nelle pieghe della memoria del mio inseparabile pc. Quando sarà pronto a volare di nuovo? Un altro che sto scrivendo adesso di notte o nei pomeriggi assolati di quest’estate strana.

La musica mi entra nella testa e ne escono parole, storie, avventure delle mie creature, forse un po’ mie, perchè è inevitabile questa compresenza di me-scrittrice e di me-personaggio.

Eppure ritornare qui, riprendere i post nelle mie mani virtuali e rileggere mi fa bene, mi ricorda ciò che ho sempre sognato, ciò che prima o poi raggiungerò.

Diventare Scrittrice.

Non è essere famosi quello che conta – o meglio per essere sinceri, è solo una parte – diventare Scrittori e sottolineo la S maiuscola, vuol dire vivere con gli altri; osservarli, analizzarli. Scoprire ed interpretare stati d’animo. Vivere ciò che loro vivono, respirare la stessa aria che respirano, toccare, mangiare, ridere e scherzare come fanno loro. Ed è solo così che si riesce ad instaurare un rapporto tra chi scrive e chi legge.

Tutto ciò mi è stato insegnato da un Maestro o meglio dal Maestro Strehler. E supportato dagli studi su Visconti, sul mio adorato Carmelo Bene e su tutti quegli uomini e donne di teatro che ho imparato a conoscere in cinque splendidi anni.

Julia. I’m coming back…

(per ulteriori ragguagli sulla mia vita, sulle mie opere e su eventuali miracoli: http://deajulia83.spaces.live.com/)

Lettera a chi mi ha rapito il cuore

E stasera lascio che siano solo le parole di uno stralcio del mio romanzo a parlare per me, a insidiarsi nei mille pensieri di tutti i giorni, a darmi questo “disequilibrio dell’asse cartesiano” che mi tormenta, che vorrebbe farmi sorridere per raggiungere quello che è nascosto… a quel piccolo angolo di cielo dove poter  volare!

- Lettera a chi mi ha rapito il cuore… -

“Non so perché sto scrivendo queste cose. Forse perché non capisco più niente di quello che dovrei capire. La mia vita sta cambiando e si sta sconvolgendo sempre di più.

Me ne vado in giro per le strade della città senza pensare a niente. Solo la musica che mi fa da sottofondo nelle orecchie. I miei pensieri sono sempre rivolti a te, nel bene e nel male. Non credo che sia giusto quello che sto facendo. Questo mio modo di scappare da una situazione più grande di me, di qualcosa che potrebbe mandare all’aria le mie studiate tattiche per sopravvivere. Io seguo sempre la via più tranquilla, quella che non ti costa fatica nel portare avanti passo per passo il peso del tuo corpo lungo il sentiero, giorno per giorno ininterrottamente. Non c’erano scossoni lungo il mio cammino, tutto era liscio e ben levigato, fino a quando ho trovato qualcosa di appuntito pungermi il mio piede scalzo. Subito non ho realizzato, poi il dolore aumentava e quello che io mi ero creata come mondo sano in cui vivere, lentamente, ma inesorabile mi crolla addosso. Sento i macigni che pezzo per pezzo mi stanno coprendo. Sono i pesi delle mie false illusioni, del mio non arrendermi alla realtà dei fatti, ma tentare sempre e comunque di costruirne una che possa essere salda nonostante la sua finzione. L’importante per me è vivere tranquilla, senza scossoni e senza dilemmi. Invece, tu sei diventato il mio scossone più insistente. Mi hai fatto cadere giù, collassate dall’alto delle mie certezze. Hai deciso che quello in cui credevo non era giusto, che secondo te dovevo cambiare qualcosa e ti sei intromesso nella mia vita. Non adagio, ma come un uragano mi hai demolito. Perché? Cosa vuoi dirmi? Che vuoi da me? Cosa ti ho fatto?

Tu hai deciso che quello che per te era giusto. Il mio modo di vivere era sbagliato. Niente di più facile per te che rivoluzionarmi completamente quello che mi sta intorno. Insinuante, con battutine e scherzi, mi hai fatto capire che la vita non è solo quella che mi sono creata, quell’involucro che mi proteggeva da quello che c’era di reale e che io non volevo vedere. Mi hai detto frasi, parole, nomi che suonavano con un senso distinto, nuovo e persino intrigante. Ora i miei capelli volano nel vento, il mio cuore ha un ritmo più accelerato e le mie gambe vorrebbero raggiungerti. Correre da te, scoprire le nuove carezze di un bacio, le dolci schermaglie amorose. Come in un film rivedere fotogramma per fotogramma i momenti dell’addio, dell’arr ivederci, della buona notte. Parole riscoperte, indelebili impresse dentro di me. Ma anche dentro di te.

Scruto i tuoi occhi marroni, mi ci perdo quasi sospinta da strane onde che mi strascinano verso di te. Sempre di più. Non capisco perché tu mi faccia stare così, ma l’amore non si può capire. L’amore è irrazionalità allo stato puro. Io, invece, credevo fosse dovere, un qualcosa che bisogna provare per forza, anche se non si è sicuri. L’amore non è pietà, l’amore spacca gli argini, l’amore rompe le costrizioni della mente, l’amore è tutto, l’amore ci completa. L’amore fa ridere fino alle lacrime.

Già, l’amore è tutto questo, ma sarò mai capace di provarlo?”.

Julia.

Discorso

sei certo di saper usare al meglio le parole?

sei sicuro di essere in grado di calibrare il giusto aggettivo, sostantivo e verbo?

sei sicuro di non accusare troppo o di essere troppo leggero con ciò che dici?

sei sicuro che la persona che ti ascolta capisca veramente tutto?

credimi, forse non ha capito proprio nulla!

eppure…

GRAFFIANO LE UNGHIE SULLA CARNE.

LE FERITE FANNO MALE.

LA CARNE BRUCIA, MA L’ANIMA RESPIRA.

Giulia Gino.

Dialogo tra Tiziano Terzani e il figlio al Teatro Erba

Da un libro-testamento all’adattamento scenico 

Quando Tiziano Terzani ha sentito avvicinarsi la morte, ha chiesto al figlio Folco di raccogliere giorno per giorno in un libro-testamento ciò che aveva vissuto, osservato e spesso criticato costruttivamente come testimone della Storia Umana. Dalla voce dei ricordi del giornalista-scrittore-viaggiatore a quella che il figlio ha registrato sul letto di morte, si approda alla voce del Teatro. Ammirato dalla forza spirituale di Terzani, Mario Maranzana ha lavorato ad un adattamento scenico del suo ultimo libro, “La fine è il mio inizio”. Della scuola strehleriana Maranzana ha tratto l’attenzione per le parole e per ciò che si nasconde dietro di esse, cercando di catturare il sottile filo che lega la vita alla morte nell’ultimo dialogo tra padre e figlio. Non c’è solo la componente da tragedia imminente, in questo spettacolo proposto dalla Compagnia del Teatro Moderno per la Rassegna Grande Prosa al Teatro Erba, ma, dall’impronta che ne ha dato il regista Lamberto Puggelli, si scopre anche il lato umoristico di chi ha vissuto la propria vita sotto ogni aspetto e sa che a sessantasei anni tutto ciò che ha fatto è stato battersi contro l’ingiustizia, schierarsi dalla parte degli innocenti per criticare ciò che l’Occidente ha ottenuto con le stragi del Vietnam, del Giappone, dell’India e della Cina. Attraverso la proiezione di immagini di paesaggi e stralci di crudeltà, Terzani-Maranzana, seduto nella sua poltrona e dilaniato dall’“ospite” che vive nel suo corpo, spiega al figlio le proprie scelte di “viaggiare per scoprire la verità”, interessandosi ai più piccoli aspetti della vita, come osservare un insetto o rimanere incantato vedendo un cuculo nella sua casa in Orsigna. Seguendo i due personaggi, si scopre che bisogna ritrovarsi negli altri, vivere ed essere dei giornalisti non di fatti, ma di ciò che si nasconde dietro ad essi.  Terzani comprende che, pur “lasciando il suo corpo”, non morirà, perché sopravvivrà nel ricordo del figlio e dei suoi lettori.

Bravissimi sia Mario Maranzana, sorprendentemente simile al giornalista fiorentino, sia Roberto Andrioli che interpreta il figlio Folco: essi si muovono liberi sul palcoscenico dell’Erba che si presenta nella sua intelaiatura, tra casse e strumenti musicali che sottolineano il dialogo nei momenti salienti. Le immagini ed i video di questa conversazione scorrono su due teli bianchi che scendono dalla soffitta del teatro e, silenziosi, quando l’estremo cerchio della vita si chiude: l’addio di Folco al padre. Le scene delicate sono di Luisa Spinatelli.

Gli spettatori rimangono assorbiti dalle questioni filosofiche e morali del giornalista e regalano agli attori un applauso commosso.  Giulia Gino 

Corriere dell’Arte, Anno XIV, n. 8, venerdì 29 febbraio 2008, p. 13.   

Le favole di Walt Disney in scena al Monterosa 

Con il patrocinio della Città di Torino e del Comune di Condove, la Compagnia Operette Champagne presenta al Teatro Monterosa “Nel magico mondo di Walt Disney”: uno spettacolo rivolto ai bambini delle scuole materne ed elementari per farli diventare spettatori e protagonisti dei più bei film di Walt Disney.

La rappresentazione inizia con la lettura della storia d’amore tra Bella e la Bestia e da essa si intrecciano le successive vicende di principi e di principesse perennemente osteggiati da perfide streghe, ma salvati da buone fate e gentili nanetti. Anna Marchesano e Marco Ambrosio indossano di volta in volta costumi luccicanti e ballano abbracciati sul palco mentre vengono presentati dalla voce narrante di Giovanna Bersanetti che diventa a seconda della scena la teiera-governante de “La Bella e la Bestia”, oppure la Fata di “Cenerentola” o la Strega Cattiva di “Biancaneve e i sette nani”. Le musiche ritmate e le canzoni delle colonne sonore disneyane sono eseguite dal vivo dal Nanetto-pianista Marco Ravizza. Nonostante il cast non numeroso e l’arredo scenico che trasforma con pochi oggetti il palcoscenico in un bosco incantato, si succedono sulla scena le pagine delle più famose storie d’amore: la Bella e la Bestia, Cenerentola ed il Principe Azzurro, Aladino con la principessa Jasmine che viene inseguito dalla Sirenetta e poi ancora le litigate magiche tra Mago Merlino e la Fata Smemorina e quelle tra il gatto della matrigna di Cenerentola e la gatta bianca. I bambini riconoscono il giovane Artù che, sguainando la spada nella roccia, diventerà re; cantano le canzoni diventate le più celebri nella storia dei cartoni animati; pronunciano le formule magiche come Salagabula magicabula bidibibodibi buu. Alla conclusione dello spettacolo che dura circa un’ora, si riscontra la capacità di questi giovani artisti di creare un legame che si protende oltre il palcoscenico per scendere in sala ed avvicinarsi maggiormente ai bambini, facendoli danzare e coinvolgendoli più attivamente.

Questo spaccato di mondo fiabesco, unitamente all’entusiasmo ed alla partecipazione del giovane pubblico, fanno capire quanto sia ancora vivo e moderno l’universo disneyano anche per chi bambino non lo è più. Giulia Gino

Corriere dell’Arte, Anno XIV, n. 7, venerdì 22 febbraio 2008, p. 12.

Imparando l’inglese a teatro 

Non è semplice insegnare l’inglese a teatro davanti ad un pubblico italiano giovane e rumoreggiante, ma Graham Spicer e Carlo Orlandi riescono nel loro intento. Lo scopo dell’Arcadia Productions è quello di mostrare a chi frequenta le scuole elementari, medie ed il liceo che l’inglese e l’Inghilterra non sono così lontani e diversi dalla nostra realtà. Al Teatro Monterosa, è andato in scena “Tea for Two”, dove, con un abile uso di maschere, tra pantomima, danza e musiche, gli attori propongono gli stereotipi della cultura inglese ed i personaggi che ne hanno fatto la storia: il tè, la Regina Elisabetta ed i suoi cani, Charlie Chaplin, Freddie Mercury, William Shakespeare, il whishy scozzese. Il pubblico si trova di fronte ad un programma televisivo simile a quelli proposti dalla BBC ed il linguaggio utilizzato è quello dell’inglese quotidiano, arricchito dai nuovi vocaboli di Internet. Lontani dai vecchi e noiosi manuali di storia inglese, i video proiettati sul fondale mostrano paesaggi e monumenti, oggetti, attori inglesi presentati da canzoni ritmate e moderne, attraverso un sapiente gioco di costumi, di luci e di comicità ironica. 

Seguendo la storia di Neil Goodman, un ragazzino senza interesse e voglia di studiare la realtà del suo paese, si rimane catturati dai rapidi sketch dal sapore british, dai cambi di scena, dalle danze scozzesi, dal cinema muto, dalle interviste paradossali ricche di humour, dagli stacchetti pubblicitari creati appositamente per invogliare a scoprire che anche usando la propria immaginazione si può imparare molto. L’ottima partitura testuale e coreografica, la brillante creatività del regista e dello scenografo, nonché la bravura tecnica e mimica avvicinano i giovani al teatro e li catturano dimostrando come, anche se differenti tra di loro, un John Bull ed un Mario Rossi si possono incontrare verosimilmente su un palcoscenico e, superate le differenze di stili di vita, passioni musicali o teatrali, possano trovarsi d’accordo su un campo di calcio. Mentre le due Dame del finale, Dama Britannia e Dama Italia, chiosano l’essenza stessa dello spettacolo: nonostante si viva lontani e si abbia costumi e tratti fisici diversi, i pregi ed i difetti di inglesi e italiani sono simili. Insomma, “Vive la différence!”. Giulia Gino 

Corriere dell’Arte, Anno XIV, n. 1, venerdì 11 gennaio 2008.    

Flavio Bucci sul palcoscenico del teatro Erba

Un Ciampa tra rabbia e follia

Bucci propone una sua visione de “Il berretto a sonagli” di Pirandello, tema centrale è lo stravolgimento della visione dell’onore e del rispetto che il povero scrivano Ciampa deve “insegnare” alla moglie tradita del suo padrone. Il primo atto mostra i personaggi che si studiano e si scontrano sulla scena: la farneticante Beatrice (Diana DeToni) manifesta tutta la sua rabbia ed impazienza di rendere pubblico lo scandalo del tradimento del marito con la giovane moglie del suo scrivano. La sua voce è forte e nervosa, le mani continuano a tamburellare sul tavolino. Lo scrivano Ciampa (Flavio Bucci), un “intellettuale” che mostra a tutti un comportamento servile, a tratti grottesco, ma non per questo deve essere così considerato. Studia i comportamenti folli della Signora Fiorìca, la mette più volte sull’avviso di girare la corda seria della fronte e non lasciare libero sfogo a quella pazza, perché potrebbe succedere un disastro in cui tutti sarebbero coinvolti. Si muove come una marionetta claudicante, la testa inclinata da un lato, la voce nasale e a tratti forte ed imperiosa, aspra e crudele nel finale. Fanno da contorno gli altri personaggi ridotti a macchiette: il fratello di Beatrice, Don Fifì (Giorgio Carminati) un faceto opportunista; Fana (Bea Boscardi) la vecchia serva della signora, preoccupata e sempre pronta a fare il segno della croce; il Saraceno (Luigi Mezzanotte) – un cambiamento rispetto al testo pirandelliano – cinico, che ama farsi beffe dei signori e dei loro errori; Spanò (Renato Campese), caricatura del delegato di provincia, piace al pubblico per i suoi modi ridicoli di atteggiarsi; la frivola madre Assunta (Gioietta Gentile).

Il secondo atto si apre di nuovo sul salotto borghese. Ora lo scandalo è scoppiato, ma Beatrice, ormai sconfitta, si rende conto amaramente che il verbale del delegato non prova nulla, che “il fatto” non c’è stato. Chi è stato usato e mosso abilmente come un “pupo” è il burattino Ciampa: nessuno ha pensato a lui, nessuno lo ha avvertirlo di ciò che la signora Fiorìca aveva intenzione di fare, anzi lei stessa voleva colpirlo a causa del suo silenzio su una tresca che sapeva esistere effettivamente. Per amore di una giovane donna? Perché il suo stato servile non gli permetteva di accusare il proprio padrone di adulterio? O forse perché, di fronte alla gente, si deve mostrare la maschera che ci siamo creati e andarne fieri, nonostante l’odio che proviamo per essa? Con lo scandalo, Ciampa ha perso il rispetto del paese. Secondo una geometria  tutta pirandelliano, ritorce su Beatrice la tragedia: sarà lei la vittima sacrificale, lei che paradossalmente conosce la verità ma che dovrà mostrarsi pazza, perché è la pazzia che l’ha fatta procedere in questo disonore. Uno spettacolo che si snoda lento, per la complessità del testo pirandelliano, per la visione grottesca ed a tratti caricaturale che ne dà il suo interprete, festosamente applaudito da un pubblico che ad ogni prova sempre più lo apprezza. Giulia Gino

Corriere dell’Arte, Anno XIII, n. 38, venerdì 30 novembre 2007.

“Paura d’amare” al Teatro Erba

Una commedia romantica

Cosa succede quando due solitudini si incontrano? Cosa succede quando una commedia nata per Broadway incontra un regista come Garry Marshall? Ce lo mostra lo spettacolo che martedì sera è andato in scena con il titolo “Paura d’amare” con la regia di Lorenzo Gioielli e la coppia ormai collaudata Zanetti-Lattuada. La rappresentazione strizza l’occhio alla commedia americana “Frankie and Johnny on the claire de lune” di Terrence McNally e al film del 1991 “Paura d’amare” di Garry Marshall. I due protagonisti, Frankie e Johnny, appunto, si scontrano sulla scena insegnandoci cosa vuol dire amare anche quando si è vulnerabili e piegati da un bagaglio carico di delusioni.

Lei, una più che trentenne cameriera in una caffetteria di New York; lui, un uomo maturo appena uscito dalla prigione, pronto a ricominciare la sua vita come cuoco nello stesso locale. Come è un classico, i due si innamorano, ma le resistenze della donna ai continui slanci passionali del cuoco, sono dovute alla paura di intraprendere una storia che la coinvolga completamente.

Il sipario si apre su un appartamento che mostra la semplicità e l’intimità di letti sfatti che rispecchiano molto bene l’animo della protagonista. La freddezza iniziale con cui il pubblico ha accolto gli attori è svanita nel procedere dello spettacolo: Giancarlo Zanetti interpreta con sapiente bravura un uomo a tratti infantile, tenace e logorroico, caratteristiche tipiche di chi si aggrappa al presente con tutte le forze per dimenticare il proprio passato a cui è ancora legato. Laura Lattuada ha avuto il coraggio di mostrare una donna nevrotica e complessata che porta le cicatrici fisiche e spirituali di una vita con un uomo che la picchiava e che le ha fatto perdere il figlio e la possibilità di averne altri. Da momenti dolci e talvolta ricchi di una pepata comicità, si passa ad istanti in cui il silenzio della scena e la luce blu chiara della luna lasciano cadere le maschere dei personaggi: come in una fiaba moderna un Principe Azzurro piange disperatamente e grida alla sua Bella Addormentata il proprio desiderio di cambiare e di riuscire con lei a creare una famiglia, perché il destino e le tante coincidenze che li legano hanno un significato e, presto, se lei riuscisse a svegliarsi dalle proprie intime sofferenze, lo capirebbe. Altrimenti sarebbe troppo tardi e lui si dovrà trasformare in una zucca. La conciliazione finale, sulle note della radio – presenza quasi attoriale sulla scena – avviene mentre i due si lavano i denti scherzando insieme e la romantica e “pura” Serenata al chiaro di luna di Debussy attraversa il palcoscenico. Sipario e applausi entusiasti del pubblico. Giulia Gino

Corriere dell’Arte, Anno XIII, n. 37, venerdì 23 novembre 2007.